Създателят на анимационни филми Мартин Сматана е учил в Академията за сценични изкуства в Братислава и във FAMU в Прага. Той представи филма Rosso Papavero на Берлинале преди четири години в конкурсната секция Generation Kplus. Тази година Шаркан имаше новост там. Вече е интересно с това, че интерпретира сложна тема за дете зрител.
Филмът „Саркан“ разказва за детския възглед за застаряващ дядо, за смъртта, за загубата на любим човек. Какво ви примами да се занимавате с подобни теми в детския филм и как работите с тях?
- Мисля, че през цялото време подсъзнателно мислех за детето зрител. Тъй като темата е опасна, това всъщност е филм за страха от смъртта, загубата на любим човек, но в същото време се предполага, че е за дете. Когато започнах да го развивам, мнозина ме питаха дали не съм луд. По това време четох много за това как да говоря с децата за толкова трудни въпроси, как да им отговарям, да казвам истината и да не я омаловажавам. В същото време се опитахме да представим темата метафорично, със символика, но по такъв начин, че да е разбираема за детето. Разработихме филма много дълго време, тъй като беше труден, но за нас беше от съществено значение да вложим веселие, перспектива и надежда в историята на смъртта.
А какво ще кажете за вашите баба и дядо? Справяли сте се с подобни предизвикателни теми, когато сте били дете?
- Идеята вероятно се основава на факта, че сме говорили много по темата от малка. Децата просто се чудят дали ще останем тук завинаги и къде ще отиде човек, когато умре. Това са досадни детски въпроси, които могат много да притесняват родителите. Всъщност е възможно филмът да им помогне да ги съчетаят.
Ти как са им отговорили?
- Мисля, че моите дядовци може би са били малко по-склонни да отговорят от другите възрастни. Например дядо ми веднъж ми разказа история за вятъра. И ние го използвахме във филм с малка вариация. В края на живота си човек е толкова объркан и слаб, че е достатъчно, ако духа по-слаб вятър и го отнесе. Всъщност с течение на времето сега виждам, че колкото по-възрастен е човек, толкова повече той осъзнава, че е имал много години/слоеве зад гърба си. Но в същото време той е по-скромен и по различен начин гледа на света, по различен начин се справя с него.
В Шаркан той създава очарователен, примамлив свят, който от една страна използва относително популярни нюанси на пастелни цветове, но в същото време не се опитва да харесва сила. Филмът има ретро докосване, което е резултат отчасти от куклената анимация и отчасти от използваните материали.
- Темата е толкова взискателна, че още повече осъзнахме необходимостта да направим филма визуално възможно най-хубав. Например, харесваме, че нашите кукли нямат всички части на лицето, само веждите и очите. Вдъхновихме се от мимиките на животните, защото хората много често харесват сладки кучета и често само заради изражението на очите си. Вероятно е функционално и от гледна точка, че малките деца често изваждат емоциите от мимиките, това всъщност е една от първите ни способности. И друга причина за такова решение беше да се направи универсален филм. Без произнесена дума вече е видима за всеки зрител.
Така че се отказахте от изговорената дума в полза на по-голяма аудитория?
- Не, всъщност никога не сме планирали диалози. А засега дори не бих искал да правя филми с изговорената дума. Когато мога да изобразя история с жестове, изражения на лицето, движения на тялото, да я разкажа само със снимки, за мен е по-ценно.
Учил си анимация в Академията за сценични изкуства в Братислава и във FAMU в Прага, работил си в естонско студио, продуцирал си Шаркан в полското студио CeTA. Какви разлики виждате в развитието и производството на анимационен филм след подобни преживявания?
- Труден въпрос. За мен разликата в училищата е ясна. Атмосферата в Академията за сценични изкуства определено беше по-щастлива. Преди живеех там. Нямах интернат една година, така че живеех в студио, където имах нещата си, и спяхме под маса за анимация. Буквално преживяхме анимацията. В Прага е различно в подхода на учителите. Не винаги се чувствате така, сякаш искат да хвърлят трупи в краката ви. Комуникацията и цялостният подход е на по-високо ниво, той вече беше там. по-истински. Това беше, поне за мен, по-малко студентски времена. Забавлявахме се много в Академията за сценични изкуства, все още се мотаехме. Във FAMU вече се опитахме да направим възможно най-добрите филми.
Имате опит в полското студио CeTA благодарение на предишната победа на питчинг събитието в Animarkte в Лоджи. Как гледате на това преживяване?
- Беше наистина високо там. Имахме напълно оборудвана зала, имахме трима помощници. Полша всъщност е страна, в която анимацията, особено куклената, е на много високо ниво. В Прага нямахме такива възможности. Първоначално планирахме продукцията в Прага, едва след тази победа можехме да я разширим и да си позволим кадри, които никога не бихме заснели преди. По-голямо, въздушно. Тъй като темата на филма също е за летене, ние се справихме добре.
В Естония бях на стаж по Еразъм в студиото Nukufilm, старо и традиционно студио, което съществува от петдесет години. Естония също е много известна с анимацията на карикатури и кукли, в основата си е сила на анимацията. Работих там като асистент, помагах при производството на реквизит и сцени. Спомням си как ходих в колеж, разпитвах хората и си водех бележки.
Защо избрахте пътя на куклената анимация, когато това е толкова финансово и отнема много време и младите аниматори днес посягат към по-модерни техники?
- Харесва ми, че е направен на ръка и всичко, което може да се види във филма, наистина съществува, можете да го хванете, да видите от какви материали е направено. Не знам обаче дали това е причината, поради която веднъж започнах. Когато бях малък, отидох в началното училище по изкуства, където опитахме различни техники и там разбърках и първата си кукла. Просто ми е приятно да правя нещо. Един от първите ми записи в нашата семейна книга с изявления за деца е, че искам пила за нокти, бормашина, длето и менгеме за рождения си ден. Когато бях на около седем години, направих такива фигури - армия, после снимах, преместих ги, снимах отново, преместих ги. Изобщо не знаех, че се нарича анимация и изобщо не е, че е марионетка и че ще се издържам от нея след няколко години.
Вече казахте как сте измислили темата, но каква процедура избирате, когато пишете сценария?
- Направих сценария с Ивана Суйова и в двата си филма. По време на филма Rosso Papavero, често се срещахме, консултирахме се, тя имаше страхотни идеи от цирковото обкръжение - стара цирка, чиито кости изскачат, жонглираща дебела жена в инвалидна количка. С Шаркан цялото развитие отне много време, така че тя работеше с мен на няколко фази. Скейтахме, срещнахме се, но вече написах версията, която снимахме. От драматургична гледна точка консултациите за питчинг много ми помогнаха. В Anifilma в Třeboň се консултирах с Филип ЛаЗебник, сценарист от студиото на DreamWorks, който написа например „Легендата за Мулан“, Покахонтас, принц на Египет. Той ми каза да разгледам целия ретроспективен пасаж, който имах тогава, и да го направя възможно най-опростен модел. За да може да го сложи в едно изречение: Колкото по-възрастен дядо става, толкова по-слаб е и когато е съвсем слаб, слаб вятър го отвежда. LaZebnik ми помогна много, но беше малко преди да отида да представя филма в Animarkt. Така че трябваше да разработя нов сценарий за много кратко време. И в Лодз най-накрая спечелих.
Така че пинингите бяха голям крайъгълен камък за вас в различните етапи от развитието на филма. Какво виждате като най-голямата им полза?
- Просто в това, че трябва да представя проекта, трябва да го подготвя, да го формулирам за себе си, да го изчистя. Дори разработването на презентацията измества проекта като такъв. Преди всичко обаче това е много неприятен процес. Ако наистина мразя нещо, това е качването, защото е трудно да застанеш пред публиката и да представиш нещо, за което си убеден, че не работи. Но в същото време се опитвате да осъзнаете, че тези хора са свикнали с това. Мисля, че питингите са ми помогнали най-много в развитието, защото има хора, които са били години на драматурзи и могат много бързо да идентифицират кое работи и кое не.
От всичко, което казвате, следва, че фазата на развитие е изключително важна, особено в случай на анимирани произведения, за подготовката на самата продукция. Въобще има „твърде дълга“ фаза на развитие?
- Честно казано, не бих искал да развивам филм, стига този. Не искате да започнете да снимате, ако смятате, че филмът не работи. Винаги се опитва да променя нещата, да опростява нещата, да пише различни версии, да прави раскадровки. Но понякога е добре да имате поне някои ограничения. Например, случвало ни се е, че когато вече сме спечелили награда в Animarkt, те ни дадоха точни дати, когато можем да стреляме, и вече не можехме да се движим с това. Бяха пет седмици, трябваше да определим съвсем различно темпо.
Имате ли други идеи и идеи в процес на разработка? Това също ще бъде куклен театър?
- В свободното си време подготвям една концепция от около третата година. Определих обаче границите си, че ще работя върху него само докато пътувам. Миналата година пътувах много, така че работих усилено върху това. Концепцията се основава на анимацията на обекти за ежедневна употреба в комбинация с нарисувана анимация, която създава напълно различни обекти. Разбрах, че харесвам филми, където техниката не се използва сама по себе си, а се базира на сценарий и ако се използва друга техника, тя няма да работи. Такъв филм е например Nyuszi és őz (Заекът и елените, реж. Péter Vácz).
Верона Дубишова (продуцент, завършил аудиовизуални изследвания във FTF VŠMU)
СНИМКА: Миро Нота