Тя е израснала в спектакли на театър "Старата Карол Спишак" в Нитра. Тя изучава създаването на играчки и декоративни предмети и въпреки че по-късно иска да отиде да рисува, куклената сценография най-накрая печели. Това обаче не й беше достатъчно, така че напоследък тя също е режисьор и автор. Независимо дали става въпрос за драматичен или куклен театър, постановки за деца или възрастни, Даша Крищофовичова винаги създава със специфична художествена поетика, чувство за хумор, с поглед и самоирония.
Учи сценография първо в Департамента по куклен театър в Академията за сценични изкуства в Братислава, а по-късно в Департамента по алтернативен театър в Прага DAMU. Какво означават тези два академични свята за вашата работа?
В Академията за сценични изкуства също бях подтикнат и вдъхновен от факта, че учих при сценографа Ева Фаркашова, която все още е голям пример за подражание за мен. Особено заради нейния професионализъм, точност, страхотна перспектива и сложност, с които поема работата. Той е фокусиран не само върху визуалността, но и върху функционалността в рамките на концепцията. В същото време тя успя да намери правилния ключ за комуникация със студентите - за да могат те да я разберат, но в същото време тя не ги подценяваше. В Прага преживях съвсем различен начин на диалог в студиото на Петър Матаск. Понякога беше лудо с него, понякога беше много готин и разбиращ, а друг път изобщо не го разбирах. Благодарение на него обаче проникнах в практическата страна на работата, научих ме за какво да внимавам, когато правим постановка директно в театъра и как да не се заблуждавам, че нещо не е възможно, когато всъщност е възможно.
Вие също създавате драма за куклен театър, но винаги със силен артистичен почерк. Как търсите конкретна визуална идентичност - вдъхновявате се от текста, на базата на който е създадена сценографията или създавате концепцията в диалог с режисьора?
Това зависи от конкретното сътрудничество. Например, познавам Саймън Спишак от много дълго време и съм работил с него няколко пъти. Знам, че той не харесва такова красиво „любящо изкуство“ и иска сценографията да бъде възможно най-практична и да „обслужва“ концепцията му. В същото време той никога няма строг сценарий, според който режисира, така че не е възможно да планирате конкретна сценография веднага. В последното ни сътрудничество - Kocúr в ботуши в Новия театър - изобретих по-неутрално, фрагментирано пространство, което може да се използва на няколко нива. В същото време исках да работя в сценографията с темата, която беше дадена от самото начало - котката е злодей, който манипулира всички. Исках сцената да бъде картина на неговия свят, неговата оптика и така беше създаден апартамент за конспирация на котки, изцяло покрит с килим, в който има едно към едно котешки катерушки, стъргалки и така нататък.
Когато работя за конкретен режисьор и не е Шимон Спишак, обикновено се опитвам предварително да подготвя дизайна, за да можете да си го представите. Но ако режисирам, тогава сценографията обикновено се създава по време на репетиции и често се променя по различни начини.
През 2014 г., заедно с режисьора Силвия Волман, ви поканихме като творчески дует в „токшоу“ от поредицата Очи в очи с MLOK. Вашето сътрудничество започна още по време на училището на легендарната Хола, Мадрид! и постепенно създава сценография за няколко нейни куклени и драматични постановки. Каква е основата на вашия дългосрочен „творчески съюз“?
За Силвия изкуството е много важно, най-вече до такава степен, че цялата концепция произтича от него. Визуалното в нейните постановки носи специфична идея и дори в драматични произведения тя много често декодира всичко останало. Понякога режисьорът дори се подчинява на даден артистичен замисъл или ефект. Ето как си представям доброто сътрудничество - по някакъв начин й се поддавам като режисьор и по някакъв начин тя му се поддава, така че в крайна сметка да е последователно. Но причината вероятно е специфичното художествено въображение на Силвия и в същото време желанието да се включи последователно в концепцията. Не всеки режисьор има това.
Може да е малко оптимизъм за паметта, но след тези години намирам процеса на Hola, Мадрид! перфектно. Имахме много време, можехме да опитаме всичко и да мислим за всичко по-дълго от много пъти сега, когато правим повече проекти наведнъж. Вече нямаме комфорта в колежа - да посветим една продукция на четвърт от годината, което е жалко. Основният принцип на изкуството в Хола, Мадрид! имаше балони и техните различни вариации, които станаха съотборник на единствената актриса - Лидия Ондрушова (тогава Петрушова, бел. редактор). Още тогава започва да се появява сътрудничество, при което режисьорът и сценографът са равни. В момента си сътруднича със Силвия в постановката „Криптограма“ в театър X10 в Прага, където се опитваме да декодираме заплетения език Mamet.
Когато си сътрудничите в продукции за детска аудитория, мислите ли и вие за тях, когато създавате концепцията за сценография? Например вземате предвид конкретната възрастова категория, за която е предназначена продукцията?
Опитвам се да мисля, че децата особено го харесват, това е за тях. Не бих искал обаче да ги подценявам. Чувствам, че това е явление, което често се случва в нашия детски театър. В същото време ми се струва, че децата не обичат да ги тласкат към нещо, което е просто хубаво, добродушно и розово и те също могат да оценят визуална шега. Мисля, че трябва да говориш с тях откровено. Те разбират много повече, отколкото бихме могли да си помислим, а ако не го направят, със сигурност могат да го обявят.
Това, което казвате, ми напомня забележително за работата на Стария театър „Карол Спишак“, особено по време на ерата „Спишак“. Имате чувството, че естетиката или поетиката на този театър също са отразени във вашата работа?
Може би не съвсем съзнателно, но цялата тази банда на Нитра от Стария театър, която по-късно се премести в Новия театър, със сигурност ми повлия. Винаги бяха хора, с които се чувствах близък - човешки, както и артистично и професионално. Преди да отида в университет, аз се интересувах повече от създаването на Стария театър, гледах на всички постановки и смятах, че това трябва да се направи.
Освен сценографски и куклен, през последните години се занимавате и с театрална режисура. Как стигна до нея, какъв беше спусъкът?
Предимството на обучението в DAMU беше и във факта, че там всички катедри бяха много по-смесени, отколкото в Академията за сценични изкуства, така че стигнах и до друга работа, освен до сценография. Истинският импулс обаче беше първата ми авторска продукция на Етограми. Тъй като темата беше любовта на моите баба и дядо, не можех да си представя, че тя може да бъде режисирана от някой друг. В същото време артистичният компонент имаше много силна позиция - там създадох сцената по време на представлението чрез видеопрожекция на живо, проектирана върху завесите. По това време имах чувството, че никой не разбира всичко, както аз. Посоката на Етограмите ми се стори очевидна, игрива и в известен смисъл проста, което вече е възможно, може би и мемориален оптимизъм. Опитвам се да направя всяка моя продукция различна и нещо интересно. Това обаче не би било възможно без хората, с които работя.
По-късно, заедно с Михал Белей, Йозеф Щупак и Ян Томандл, основахме Първия план - платформа, под която реализираме нашите авторски проекти.
Подобен случай на „върхове“ беше вашият завладяващ проект Fake It Till You Make It?
Темата беше историята на Джил Шарп, която в продължение на пет години в инстаграма се преструваше на връзка с мъж, когото дори не познаваше. И когато той я съди, тя спечели съда. Заедно с Михал Белей и Андрей Шолтес създадохме продукция, която е реалистично замислена сватба с ходатайства, отвратително засахарени чаши с тост и други сватбени обичаи. И всичко това води до изненадващ извод. Сватбата е измислена от нас, въпреки че историята на Джил завърши щастливо и тя спечели процеса, но тя не отиде до олтара. С продукцията се опитваме да насочим вниманието към това какви приноси хората публикуват в социалните мрежи и колко лесно са проследими, проследими. Репетицията беше изключително взискателна, тъй като тук играят двадесет актьори, а други десет души се грижат само за провеждането на представлението. Така че не е в нашите сили да повтаряме производството ежемесечно. Въпреки това планираме допълнителни повторения през юни 2020 г.
Мисля, че и двата случая са актуални и опасни и трябва да насочим вниманието към тези теми, но не искаме да го правим чрез трудни драми, хуморът според мен е по-добър начин.